Визионерското изкуство: в процес на дефиниране

  Пиер Тейяр дьо Шарден, френски свещеник, теолог, учен

Пиер Тейяр дьо Шарден е френски свещеник, теолог и учен.

Apic/Гети

T Студиото на Джон Алмънд е оазис на спокойствие и естествен растеж насред градска джунгла. Сгушен между складове и леки промишлени сгради в тясна уличка край района на Skid Road южно от Market Street в Сан Франциско, това е голям гараж, който е превърнат в работни и жилищни помещения. Има просторно студио на уличния етаж, изпълнено със стенописи на Almond, по-малки акварели и плакати, както и ярките картини на съпругата му Синтия Грейс; също така е пълен с гипсови отливки от скали, някои боядисани в ярки, живи цветове, други в черни, бели и сиви, които дублират естествените тонове и текстури на гранит, много от тях заобикалящи ревяща газова камина.



Мецанинът съдържа спалня и малка „стая за медитация“, с малък олтар в единия ъгъл и рафт с литература на йога както и изкуство ; отвън има градина на покрива, пълна с саксийни растения, дървета и фънки „органични зони“, населени с разлагащ се боклук и жаби, охлюви и други форми на живот. Но растенията, аквариумите и други форми на естествен живот са навсякъде.

„В бъдеще градският център ще се върне към първичната райска градина“, казва Алмънд. „Растения и същества ще обраснат централните части на града точно както лишеите и мъховете растат по скалите в Йосемити. Ако човек някога се върне обратно към състояние на създание, той ще обитава центъра на града точно както беше, когато слезе от дърветата.

Картините на Алмонд имат такова усещане. Много изобразяват ягоди, често с гигантски мащаб, въртящи се през обширни, ярко сини небеса или излъчващи геометрични силови линии, които се трансформират в сложни клетъчни структури, съдържащи наситено сини полета. Някои изобразяват масивни скали, които се носят безтегловно на фона на черни празнини, пълни с блестящи звезди. Някои са кошмарни видения на самия град — — на билбордове, осветени на фона на странно нощно небе, с изключение на това, че билбордовете съдържат изображения на картини на Алмънд, на високи офис сгради, чиито върхове изстрелват вълни от пукаща енергия в небето, докато изглежда, че се хранят с подземна коренова структура, която прониква в земята отдолу. Почти всички видения на Бадем са заредени с това усещане за жизнена, понякога бурна енергия, предчувствия за растеж, разрушение, промяна.

„Моето изкуство е свързано с това да осъзнавам по изобразителен начин нашето състояние във Вселената, нашето развитие и нашето потенциално развитие“, казва Алмънд. „Мисля от гледна точка, сякаш гледам планетата отдалеч в космоса и изолирам явления, опитвайки се да разбера какво се случва. Например, ние сме в центъра на този голям град, но не разбираме какво ни причинява този енергиен център.

А 32-годишният Имънд е роден в Англия, живял е в Рио де Жанейро между шест и девет години и след това се установява в Калифорния, където израства около Оринда и Кармел. Първо се учи да рисува от баща си, акварелист в британската традиция. Учи в Калифорнийския колеж по изкуства и занаяти в Оукланд, получава бакалавърска степен. в щата Сан Хосе и завърши дипломна работа в щата Сан Франциско при Уесли Чембърлин. Повечето от инструкциите му следваха принципите на абстрактния експресионизъм, но „никога не можах да се справя с него. Беше твърде физическо, нямаше достатъчно умствена дейност.

Алмънд казва, че за първи път се е запалил по „истинската радост от рисуването“ чрез приятел художник, Алън Линч. Впоследствие той се крие в вила на плажа в Пасифика, където не прави „нищо друго освен рисуване“ в продължение на три години.

Алмонд прекарва по-голямата част от това време, правейки абстрактни акварели, вдъхновени от формите и цветовете на приливни басейни, морски аноми, капазони и други морски същества. „Наркотиците също изиграха важна роля“, добавя той. „Това е начин да си помогнеш да влезеш навътре. Пушенето на марихуана ви кара някак да се концентрирате повече върху по-малко нещо. Продължавате да работите точка в много точки, линия в много линии. Стигате до вид микроскопична визия и продължавате да навлизате в нея.

През 1968 г. Алмънд се премества обратно в града, където споделя студио с художник от Ню Йорк Джери Морока. „Неговото влияние ме извади от органичните форми и към образи и идеи, взети от нашата култура.

„Филмор Уест и светлинните шоута ми оказаха голямо влияние“, добави Алмънд, „както и много художници – предимно хора, които познавам: Боб Комингс, Хенри Султан, Чарлз Грийли, Боб Фрийд, Виктор Москосо, Рик Грифин, Крошка.

По това време познатите теми — ягоди, скали, градски силует през нощта — започнаха да навлизат в картините на Алмонд, произтичащи от различни източници: „Ягодите започнаха като фантастични форми, с техните геометрични подредби на семена и фантастични червени цветове . В първата си картина ги поставих в декор от Кейп Канаверал. Продължавах да рисувам ягоди във всякакви ситуации. Просто им се наслаждавам, независимо от значението им. Ако има някакъв смисъл, той е подсъзнателен, но е предимно визуален.

Скални изображения навлизат в изкуството на Алмънд чрез работата му през 1968 и 1969 г. като художник на листа и по-късно като „скален човек“ в отдела по естествени науки на Оукландския музей, където той започва да прави гипсови отливки от естествени камъни. „Пътувах до Оукланд и ме запалиха по билбордовете и фантастичния начин, по който изглеждат през нощта“, добавя Алмънд. Алмънд прави първата си широкомащабна картина през 1967 г. и оттогава е направил пет други, включително една работа с размери 20 на 20 фута в четири панела, която е директно вдъхновена от формата на билборда.

За разлика от много художници, свързани с визионерската сцена, Алмънд не преподава, поддържайки работата си със случайни работни места, докато съпругата му преподава в музея „Дьо Йънг“. Алмънд казва, че основен импулс зад неговото изкуство е „чистата радост от рисуването като преживяване, събитие, като абстрактния експресионизъм. Наистина няма значение какво правите и как идва, просто гледате цветовете и линиите, докато се случват. Това е пътуване.

„Не съм сигурен на какво съм настроен. Взимам малко от много различни неща. Много от моите картини са свързани с мисленето на Тейяр дьо Шарден. Единственият установен ред на мислене, който има смисъл за мен в момента, е йога. Но повече от йога, чувствам, че моето изкуство е моята религия. Това е търсене на космическо съзнание, точно както стремежът на йогите е чрез медитация, самодисциплина и пози. Изкуството, което правя, чувствам, че е нещо добро, просто защото е забавно да се гледа. Създава добри вибрации.“

П Хилип Хокинг, на 31, е нещо като аномалия дори в област, в която разнообразието от темперамент изглежда е основна характеристика. Той отрича каквото и да е влияние върху него или работата му от наркотиците, културата на наркотиците „или която и да е от ценностите, които тя възприема“; той не харесва рока и отрича „много неща, свързани с рока“ като „много груби, дори неприлични“. Има много несъзнателни сили, които се изхвърлят днес, които са резки и, ако не друго, по-скоро унизителни, отколкото възвисяващи. Аз съм човек от доста западен тип“, добавя той. „Отне ми много време, за да се заинтересувам от нещо източно от Турция.“

Изкуството на Хокинг обаче е също толкова мистично, красиво и „визионерско“, колкото идва. Основните му творби са пейзажи - обширни, открити гледки на широко обобщени ливади, гори, хълмове и далечни планини, направени в ярки маслени картини или в по-малки акварели с невероятна деликатност, жизненост и блясък. Понякога неговите пейзажни възгледи включват изображения на големи рози или други произволно поставени символични фигури, извлечени от четенето на Хокинг на персийската суфи поезия и неговото изследване на Мехер Баба.

Но дори най-обикновените му пейзажи излъчват силно визионерско усещане. За разлика от графичната чувствителност, която преобладава в голяма част от визионерското изкуство, Хокинг работи в осветеност и атмосфера, неговите форми се разтварят в блясък на светлина, пространство и дори топлина: маса, превърната в енергия.

Хокинг е роден и израснал в долината Сан Хоакин, „занимавал се“ с изкуство по време на гимназията, но прекарал по-голямата част от обучението си преди колежа като специалност математика. „Бях много практично настроен“, казва той. „Почти случайно попаднах в Калифорнийския колеж по изкуства и занаяти, където взех бакалавърска степен по реклама. Направих малко търговска работа, но изглеждаше прекалено напрегнато, така че се измъкнах.“ След престой в резервите, Хокинг се завръща в CCAC и получава M.F.A. в живописта през 1964 г. Оттогава преподава в колежа в Оукланд.

Първите символични пейзажи на Хокинг датират от втората половина на 1968 г., съвпадайки с въвеждането му в религиозната и мистична литература, първоначално чрез творбите на Джордж Бърнард Шоу Човек и Супермен, по-късно чрез лекциите на Кришнамурти и писанията на Гурджиев и Успенски, накрая достигайки до суфи литературата и Мехер Баба. Хокинг цитира едно от по-познатите изявления на Баба: „Да проникнеш в същността на всяко битие и значение и да освободиш аромата на това вътрешно постижение за напътствие и полза на другите, като изразиш в света на формите, истината, любовта, чистота и красота - това е единствената игра, която има някаква присъща и абсолютна стойност.

„Това възнамерява да направи изкуството и това е общото между визионерите“, отбелязва Хокинг. „Те се опитват отново да превърнат изкуството в средство за духовно изразяване. В моя случай изкуството е визуалното средство за създаване на история. Значението на съдържанието в живописта изчезна през епохите на абстрактния експресионизъм и минималното изкуство. Сега наистина се връщаме назад, по един цикличен начин, към използването на визуалното изкуство, каквото е било през Ренесанса или Средновековието, не като самоцел, а като илюстрация на духовни събития или вътрешни състояния на развитие . Това е част от общо възраждане на неинтелектуалните отговори на нещата, сега, когато машината, създадена от интелектуалните подходи, се разпада.

Хокинг смята, че дали източниците са мистични или по-точно технически нямат особено значение за крайния смисъл на творбата. „Всичко, което е красиво, предизвиква у човека някаква възвишена реакция, стремеж към по-високи неща. Това е изкуство, свързано с Баба.

T Произведението на Робърт Муун, 29, представлява най-буквалният превод на йога във визионерско изкуство в Bay Area. Голяма част от работата му през последните две години се върти около поредица, наречена „Свами Вишну“, в която андрогинна мъжка фигура е изобразена в различни йога пози и е съпоставена в мистериозни взаимоотношения с огромни морета от въртяща се вода, всичко това направено в изключително чувствителни рисунки, които по-късно са преведени в изящни литографии. Фигурите понякога висят в увиснал полет над отдалечени простори от вълнисти вълни, понякога се носят с главата надолу под тях; понякога те са значително увеличени в мащаб, за да запълнят цяло небе.

Тези изображения не са толкова далеч от „реалността“, колкото може да изглеждат: Муун се занимава с йога през последните две години и практикува ежедневно под вода в плувен басейн в дома си в Woodacre, хипервентилирайки, за да може да остане потопен в продължение на три минути без да диша и носейки голям камък, за да се задържи близо до дъното. „Това е ритуал. Има начало и край, а краят е на дъното. Повечето от моите рисунки са от директен опит с вода и пози.“

Роден в Портланд, Орегон, Муун идва в района на залива, когато е на 17, прекарва три години в армията, след което постъпва в Института по изкуствата в Сан Франциско, където получава бакалавърска степен. по живопис и магистърска степен по графика. Две години извън училище, сега Муун преподава както в U.C.-Berkeley, така и в Laney College в Оукланд. Moon се зае със серия от триизмерни отпечатъци - изрезки и сгъвания, които основно изобразяваха червеи, костенурки и други животни във формат, който беше отчасти плосък, отчасти стърчащ от плоската повърхност на стената. „Интересувах се от поставянето на форма на живот, комбинирана с нежива материя.“

По-късно Муун започва да печата върху ръчни огледала — „отпечатъкът се превръща в обект, несвързан с равна повърхност“ — и по това време водните пейзажи и пейзажите започват да навлизат значително в работата му.

„Умът ми започна да се спъва във водата – повърхността на водата като среща на сили, където въздухът слиза и почива. Оттогава водата ме занимава. Когато за първи път се занимавах с йога. Осъзнах, че състоянието на ума ми е свързано по някакъв начин с това, което се случи с водата - неподвижност и в същото време основна флуктуация. Водата е обект, който се движи, но въпреки това не се движи. Единственият начин, по който можех да изразя това, беше да направя фигурите в пози и след това да ги сложа върху водата. Първоначално не разбрах защо, просто изглеждаше правилно. Ако можех да накарам рисунките да имат звук, това щеше да е ом, тон, сарод.

Муун казва, че е бил „силно замесен“ в рок-нарко сцената, когато тя за първи път започна да се появява около 1964 г. „Но аз се отдалечих от нея. Вече не харесвам рок. Всичко това ми звучи еднакво, стана популяризирано и чувствам, че стана малко негативно. Харесвам позитивната музика. Сега клоня към музиката от Детройт - черната музика има живот, който липсва на рока.

„Като артист искате да отразявате това, което се случва навсякъде около вас, но не мога да си позволя да бъда социален коментатор“, добавя Муун. „Мога да се свържа с моята среда само като влагам добри или положителни вибрации в нея, опитвайки се да покажа добра светлина, въпреки че изглежда, че нещата се рушат.“

T работата на Майкъл Боуен, 32, формира важна връзка между съвременното визионерско изкуство и визионерски щам, който започна да се появява преди повече от десетилетие в Сан Франциско и Лос Анджелис в работата на такива художници като Брус Конър, Робърт Лавин, Уоли Берман и Джон Рийд.

Още в края на петдесетте години Боуен рисува последователно динамични, жестови абстрактни експресионистични платна и призрачни фигури, които сякаш излъчват от ореоли и нимби от мистична светлина, хора и демони, които се борят в битки, които са колкото митологични, толкова и психологически. Той беше ранен практик на „фънк“ колажа, включващ изоставени предмети, стари снимки и други изхвърляния, преследвани от разпад и носталгични асоциации, както и на по-завършени монтажни техники, при които изображения от различни източници бяха обединени в сложно сюрреалистични алегории .

По-новата работа на Боуен има силни нюанси на изкуството на Югоизточна Азия и по-специално на тибетската живопис. Вариращи от рисунки, ситопечати и акварелни скици до големи масла върху платно и маслен пастел върху хартия, те са изпълнени с повече или по-малко буквални изображения на храмове, златни градове, многокраки фигури и еднооки животни, понякога нарисувани в композиции на мандали, често придружени от надписи и текстове в течащ скрипт на загадъчна калиграфия. Те излъчват необичаен, свръхестествен блясък, сякаш изображенията са създадени от аури от цвят и чиста светлина. Тези видения са отчасти вдъхновени от йога медитация и дисциплина и отчасти са плод на това, което Боуен нарича „астро-пътуване“, предизвикано от първите му преживявания с пейот и LSD.

Боуен физически посети Непал преди три години, но той казва: „Когато отидох там, почувствах, че се връщам. Когато за първи път взех пейот и LSD, изпитах прехвърляне на съзнанието и прехвърлянето беше както тибетско, така и майско. Пишех мантри и други неща, за които не знаех нищо. След като посетих Непал, разбрах, че водя тибетски начин на живот, без да го осъзнавам, откакто бях на 18 години – спях близо до пода, седях в поза на лотос, със сексуално отношение, което беше открито и дрезгаво в истинския тибетски смисъл.”

Историята на живота на Боуен е материалът, от който се правят романи с меки корици. Роден в Лос Анджелис, той е изпратен във военно училище на възраст между седем и 16 години, когато бяга от семейството си, за да „направи сцената на Лоръл Каньон“. В продължение на осем месеца той живееше с Едуард Киенхолц, докато учи вечер в института Choinard, а също така тичаше с Бърман — „той ми даде първия статив“ — Джон Рийд, Джон Алтун и други художници, които се съсредоточаваха около старите , авангардна галерия Ферус. „Аз бях момчето, което се навърташе около всички големи момчета.“

Когато е на 17, Боуен се жени за съпругата на Джон Карадайн, Соня, и двамата заминават за Вирджиния Сити, Невада, с обвинения в бигамия по горещи преследвания; година по-късно те се озоваха в Сан Франциско. Боуен и първата му съпруга се разделиха малко след това, но сега той има попечителство над техния син тийнейджър.

В Сан Франциско Боуен се включи в сцената на Норт Бийч, която тогава включваше фигури като скулптора Рон Бойс и Джанис Джоплин, преди името й да означава нещо. Боуен се установява в студио-лофт на брега с други двама художници, Артър Монро и Майкъл МакКракен, и тримата се отправят на интензивно рисуване. Калифорнийското училище за изящни изкуства все още беше основен източник на абстрактна експресионистична живопис в онези дни, но Боуен продължи по независим път. „Използвах училището само за кражба на боя“, казва той.

Към края на петдесетте години Боуен среща Джон Кук, който тогава живее в Кармел. „Той беше моят единствен учител – моят истински духовен учител“, казва Боуен. „Джон ме запозна с Таро, с магията като цяло и това започна моите психически преживявания.“

Боуен е прекарал по-голямата част от последните десет години в пътувания под една или друга форма. „Цялата ми работа представлява символично пътуване до по-висши сфери на съзнанието, обратно през илюзията на времето до първите начала, които се съдържат в нашето същество“, казва той. „Вътрешното търсене е по-важно за мен от картината. Рисуването е страничен ефект от търсенето.”

Физически Боун е обиколил света няколко пъти, с многократни посещения в Мексико, Индия и Непал. Психологически - или психически, в зависимост от вашата гледна точка - Боуен казва, че е преминал през 'поредица от трансфери на личност' още от първоначалния си опит с LSD и пейот 'в Muir Woods, когато бях на 20'. През следващите години Боуен имаше сесии с Тимъти Лиъри, но „Лири дойде по-късно и той беше част от самото търсене“.

По време на тези трансфери на личност или „астро-полети“, Боуен казва, че е „гледал на реалността от гледна точка на високо тибетско въплъщение – каквото аз самият бях и съм. Първоначално пренесената реалност е едновременно тибетска и маи. Но когато посетих Мексико през 1965 г., почувствах родство само с мъртвото минало. Боуен казва, че е прекарал голяма част от пътуването си в Мексико „в търсене на майстора на просветлението“ и накрая се е натъкнал на индиец, който го е запалил по цветето датура. „Това беше първият път, когато излязох напълно извън тялото си. Всички тези преживявания станаха завършени, когато посетих Непал преди три години.“

Вътрешното търсене на Боуен включва голямо количество екстровертна каталитична активност, която помогна за задвижването на някои от по-историческите знаци на психеделичната ера в средата на шейсетте години. Той помогна за стартирането на стария Haight Street Oracle, „първоначално като изразител на Тимъти Лиъри и неговите идеи“, и беше един от организаторите на първото Human Be-In в Golden Gate Park.

Сегашният начин на живот на Боуен включва странна комбинация от йога, дисциплина и старомодна американска суматоха, посветена на подкрепата на неговото изкуство и къща за 600 долара на месец от другата страна на булеварда от Yacht Harbor в луксозния квартал Марина на Сан Франциско. Тук Боуен живее със съпругата си, трите си деца и различна група от членове на „ашрам на художници“, който той е създал, по образец на ашрам от 2000 души в Пондичери, който е посетил два пъти по време на пътуванията си до Индия. Съставен предимно от учени, художници и писатели, той беше „идеална смес от наука и изкуство, утопия за художници“.

Боуен и малката група художници, които живеят с него, спазват основните йога принципи на медитация, диета, въздържание от алкохол, тютюн и химикали, дисциплини, които той смята за основни алтернативи на предишните си „еднократни окултни преживявания, които са опасни; могат да те изгорят. В този смисъл дисциплината е точно обратното на нейното значение на Запад, дисциплина на вътрешния дух, а не регламентация, наложена отвън“, добавя той. „Външното идва на мястото си с вътрешния дух, а не обратното.“

Ашрамът също така служи като вид изложбена и търговска зала за картините на Боуен. В по-голямата си част избягвайки галериите, Боуен и съпругата му канят отделни лица или малки групи от хора в къщата си, където картините на Боуен могат да се разглеждат и продават на частна, лична, неофициална основа. Боуен допълва приходите от своето изкуство с внос на предмети на изкуството по време на пътуванията си до Далечния изток.

„Трябваше да се отървавам и да си проправям път наоколо“, казва Боуен. „Но това е шут и джайв за божественото. Рисуването е божествено проявление. Обичам да продавам картините си, защото това ми позволява да спечеля времето, което ми е необходимо за вътрешно търсене.

Боуен казва, че виденията в неговата картина произтичат от два основни източника: транс и форма на медитация, известна като „тратак“. При това човек се научава да фокусира окото върху точката в центъра на мандала, докато започне да работи обратно през пространството и времето, за да произведе илюзии на ретината, които, казва Боуен, се дублират повече или по-малко точно в неговите картини. „Има златен град над хълма, а отвъд него храмът на господаря. Това не са просто митологични образи, а реални неща - златният град на съзнанието, човешкото око, включено от светлина.

„Най-важното влияние върху моето изкуство е Бог, но няма разделение между Божиите естествени растения и самия Бог или вас самите“, добавя Боуен. „Пътуването е към тук и сега. Пътуването и дестинацията са идентични. Всички истински художници са били визионери. Те виждат навреме.”

Групата от 12 художници, чиято работа е разгледана в тази анкета, лесно може да бъде разширена. В самата зона на залива има двадесет или повече други творци с големи постижения или обещания, чиято работа по един или друг начин произтича от визионерския импулс: Хенри Султан, Чарлз Грийли, Дженифър Баджър, Карол Хайнеман, Синтия Грейс, Шиела Мартин, Стан Падила, Патриша Херифелд, Уилям Киршнер, Сюзън Келк, Гейл Фрид, Джон Кесел и много други. Има далновидни режисьори — — Джордан Белсън, Скот Бартлет, Боб Бранаман, Бен Ван Метър — — и далновидни фотографи като Том Уиър. Визионерската чувствителност се простира до работата на по-ранни художници от Сан Франциско като Брус Конър, Джес, Джей Де Фео и Робърт Ла Вине и достига напред до ново поколение художници, които достигат до визионерски форми на изразяване по по-пряк път отколкото заобиколното пътуване през абстрактния експресионизъм, което формира общата среда на повечето художници-визионери сега.

Човек несъмнено би могъл да разшири списъка още повече в пространството — — Боуен казва, че се е сблъсквал с художници-визионери в най-отдалечените части на света — — и във времето, обратно чрез такива художници като Блейк, Грюневалд, множество анонимни средновековни илюминатори и персийските миниатюристи и в крайна сметка — — ако ученията на Мехер Баба са верни — — за самия Бог. Определението за „визионер“ е, разбира се, мъгляво и в много отношения произволно и вероятно е най-добре да остане така. „Визионерското изкуство“, както и самото изкуство, непрекъснато е в процес на дефиниране и „вътрешното търсене“ непрекъснато се движи напред.

Единственото нещо, което изглежда сигурно, е, че всички тези художници участват в екологизирането на съвременното американско изкуство; тъй като будизмът, йога, мисълта на Пиер Тей-хар дьо Шарден и Мехер Баба представляват паралелни пътища към една и съща крайна дестинация, различните изрази на артисти-визионери споделят общи духовни цели и корени. Съвременното визионерско изкуство е може би най-добре обобщено с думите на Питър Ди Джезу: „Това е вид колективизъм, точно както беше импресионизмът – колективно съзнание, което всеки човек проявява по различен начин според своята личност и карма. Изразявайки своята визия, вие едновременно комуникирате. Ние всички сме едно.”

Бележка на редактора: Последно в поредица от три части